Unbroken Boccaccio. A Fresh Look at the Decameron
The long-standing figurative fortune enjoyed by the pages of Giovanni Boccaccio’s Decameron is well known. In
panel painting, it exploded between the 14th and 15th centuries, when Boccaccio’s novellas were constantly drawn
upon to decorate spalliere (decorated backboards) deschi da parto (birth trays), and the fronts of wedding chests
– called forzieri in Florence and cofani in Siena and Perugia – often illustrated with the stories of Griselda, King
Charles and the two maidens, Bernabò and Ambrogiulo, Saladin and Torello. Even after this period, Boccaccio’s
pages continued to inspire generations of artists, with renewed vigor in the Romantic 19th century, and then again
in the 20th century, from Marc Chagall to Salvador Dalí, from Umberto Brunelleschi to Renato Guttuso. One of
the most fascinating examples, from the mid-17th century, is Bernardino Mei’s unforgettable Ghismunda, with her
darkened gaze, yet lit up by the desperate and throbbing determination of the young woman, who struggles to turn
her face away from the heart of her beloved, still dripping with blood.
In ideal continuity with this long tradition, at Museum of Boccaccio’s House, on the occasion of the celebrations for
the 650th anniversary of the Poet’s death, ten canvases dedicated to the Decameron are exhibited, in which the
book is reread and interpreted through the personal gaze of Marco Lodola and his deliberately two-dimensional
painting style, made of inlays of bright, mostly primary colors, and of clear silhouettes, juxtaposed without chiaroscuro
gradations, enhancing the graphic mark and the outline of the figures. Those who are more familiar with Boccaccio’s
pages will easily recognize the novellas Lodola chose to illustrate in these works and will be able to recall individual
passages and words. À rebours, the more astute will also be able to trace the figurative sources from which the
paintings on display draw, identify their models, and discern the references, sometimes explicit, sometimes more
subtle. In this constant reference between present and past, between the works on display and the precedents
they evoke, we are invited to retrace, fragment by fragment and in filigree, the uninterrupted figurative fortune of the
Decameron and the “visualized Boccaccio”, from the Middle Ages to the present day.
A few examples suffice to grasp the geographical and chronological variety of the figurative heritage reworked
in these canvases. Thus, in the man standing before the group of women seated in the garden enclosed by high
walls, which is described in the introduction to the third day ‘with its beautiful order’, there is a brightly colored
synthesis of the miniature that around 1460 decorated the prologue of the dedication to the Duke of Berry of the
Decameron in the Bodleian Library in Oxford, a French translation of Boccaccio’s text by Laurent de Premierfait.
Behind Federigo degli Alberighi, in a yellow overgown and red sleeves, left with “his falcon among the best
in the world,” hides the Zentilomo of the so-called Mantegna Tarocchi, a series of burin engravings from the
second half of the 15th century unrelated to Boccaccio’s text and preserved in the Biblioteca Ambrosiana. The
canvas dedicated to the novella of Nastagio degli Onesti is based on one of the famous spalliere mentioned by
Giorgio Vasari in the Pucci house, now divided between a private collection and the Prado Museum in Madrid,
commissioned for the marriage of Giannozzo di Antonio Pucci and Lucrezia di Piero Bini. The series was executed
mostly by Bartolomeo di Giovanni based on designs by Sandro Botticelli, a painter who was fascinated on at least
one other occasion by the pages of Boccaccio, illustrated with uncommon vitality in the faux architectural reliefs
at the bottom of the Calumny of Apelles, a painting preserved in the Uffizi Gallery.
Compared to the cases mentioned above, there are also recoveries from more secluded, lesser-known models, which
decisively point towards different latitudes and chronologies. This can be clearly seen in the elegant Ghismunda,
sitting on a bed, just before drinking the poison, traced on canvas with the same subject of the Birmingham Museum
and Art Gallery, painted by Joseph Edward Southall in 1897, by then at the heart of the Pre-Raphaelite Renaissance
revival and the English Arts and Crafts movement, not too far away, geographically and chronologically, from the
first edition of Chaucer for children: A golden key, published in London in 1877 and illustrated with splendid colored
engravings by Marie Eliza Haweis, an explicit model for the canvas of Griselda and the Marquis of Saluzzo that
closes the exhibition at Boccaccio’s House.
In the paintings on display, Lodola’s recognizable and personal language comes to terms with the rich figurative
heritage inspired by the Decameron, which, now well established, bears witness to the enduring and unbroken
appeal of Boccaccio’s text. Today as yesterday, yesterday as today.
Emanuele Zappasodi
Professor of Medieval Art History at the University for Foreigners of Siena
Boccaccio ininterrotto. Uno sguardo rinnovato al Decameron
È ben nota la lunga fortuna figurativa vissuta dalle pagine del Decameron di Giovanni Boccaccio. Nella
pittura su tavola essa esplose tra Tre e Quattrocento, quando alla novellistica boccacciana si attinse con
costanza per ornare spalliere, deschi da parto e fronti di cassoni nuziali – chiamati forzieri a Firenze, cofani
a Siena e a Perugia –, spesso istoriati con le vicende di Griselda, di re Carlo e le due fanciulle, di Bernabò
e Ambrogiulo, di Saladino e Torello. Anche a valle di questa stagione, le pagine di Boccaccio continuarono
a ispirare generazioni di artisti, con forza rinnovata nell’Ottocento romantico, e poi ancora nel Novecento,
da Marc Chagall a Salvador Dalì, da Umberto Brunelleschi a Renato Guttuso. Una delle testimonianze più
fascinose, a metà Seicento, è l’indimenticabile Ghismunda di Bernardino Mei, dallo sguardo abbuiato, eppure
acceso dalla determinazione disperata e palpitante della giovane, che allontana a fatica il proprio volto dal
cuore dell’amato ancora grondante di sangue.
In continuità ideale con questa lunga tradizione, nella sede di Casa Boccaccio, in occasione delle celebrazioni
per i 650 anni dalla morte del Poeta, sono esposte dieci tele dedicate al Decameron, riletto e interpretato dallo
sguardo personale di Marco Lodola e dalla sua pittura programmaticamente bidimensionale, fatta di intarsi di
colori vivaci, per lo più primari, di sagome nette, accostate tra loro senza gradazioni chiaroscurali, esaltando
il segno grafico e il contorno delle figure. Chi frequenta con maggiore assiduità le pagine di Boccaccio
riconoscerà con agio in queste opere le novelle che Lodola ha scelto di illustrare, ne potrà ricordare i singoli
passaggi, le singole parole. À rebours i più avveduti potranno anche risalire alle fonti figurative a cui attingono
le tele in mostra, potranno identificare i loro modelli e stanare le citazioni, a volte esplicite, a volte più velate.
In questo rimando continuo tra presente e passato, tra i lavori esposti e i precedenti che essi evocano, siamo
invitati a ripercorre per fragmenta e in filigrana la fortuna figurativa ininterrotta del Decameron e del “Boccaccio
visualizzato”, dal Medioevo fino ai nostri giorni.
Bastano pochi esempi per comprendere la varietà geografica e cronologica del patrimonio figurativo
rielaborato in queste tele. Così nell’uomo in piedi dinanzi al gruppo di donne sedute nel giardino recinto
da alte mura, che “col suo bello ordine” è descritto nell’introduzione alla terza giornata, si cela una
sintesi a tinte accese della miniatura che verso il 1460 ornava il prologo della dedica al duca di Berry
del Decameron nella Bodleian Library di Oxford, volgarizzazione francese di Laurent de Premierfait del
testo di Boccaccio. Dietro a Federigo degli Alberighi, in giornea gialla e maniche rosse, rimasto col “suo
falcone de’ miglior del mondo”, si nasconde invece il Zentilomo dei cosiddetti Tarocchi del Mantegna, una
serie di incisioni a bulino di secondo Quattrocento irrelata con il testo di Boccaccio e conservata nella
Biblioteca Ambrosiana. La tela dedicata alla novella di Nastagio degli Onesti è esemplata su una delle
celebri spalliere ricordate da Giorgio Vasari in casa Pucci, oggi divise tra una collezione privata e il Museo
del Prado di Madrid, licenziate per il matrimonio di Giannozzo di Antonio Pucci e Lucrezia di Piero Bini. La
serie fu eseguita in massima parte da Bartolomeo di Giovanni su disegno di Sandro Botticelli, un pittore
stregato in almeno un’altra occasione dalle pagine di Boccaccio, illustrate con vitalità non comune nei finti
rilievi delle architetture al fondo della Calunnia degli Uffizi.
Rispetto ai casi citati, non mancano recuperi da modelli più appartati, meno noti, che orientano con decisione
verso latitudini e cronologie diverse. Lo si vede bene nell’elegante Ghismunda, seduta sul letto, nell’attimo
prima di bere il veleno, ricalcata sulla tela con lo stesso soggetto del Birmingham Museum and Art Gallery,
dipinta da Joseph Edward Southall nel 1897, ormai nel cuore del revival rinascimentale preraffaellita e del
movimento dell’Arts and Crafts inglese, a non troppa distanza, geografica e cronologica, dalla prima edizione
del Chaucer for children: a golden key, pubblicata a Londra nel 1877 e illustrata dalle splendide incisioni
colorate di Marie Eliza Haweis, modello esplicito per la tela di Griselda e il marchese di Saluzzo che chiude la
mostra di Casa Boccaccio.
Nelle opere esposte il linguaggio riconoscibile e personale di Lodola fa i conti con il ricco patrimonio figurativo
ispirato dal Decameron, che, ormai sedimentato, racconta il fascino duraturo e ininterrotto del testo di
Boccaccio. Oggi come ieri, ieri come oggi.
Emanuele Zappasodi
Professore di Storia dell’arte medievale Università per Stranieri di Siena
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